J. Edgar (2011)

En el primer acto de este film, Eastwood nos presenta un J. Edgar ya muy maduro pero todavía en la cima de su poder, dispuesto a contar sus memorias. Su intención: crear un mito de sí mismo. Y, en un principio, Eastwood lo acompaña, asumiendo su punto de vista y haciéndonos creer que el fundamentalismo y puritanismo conservadores de los que hace gala el personaje (tanto ideológica, como moral, como socialmente) será, efectivamente, la óptica de esta biopic.

Nada más lejos de la verdad. Eastwood ha logrado algo extremadamente difícil: plantear dilemas políticos sin convertir la película en un panfleto ni en pos de uno u otro bando, ni a favor ni en contra de uno u otro partido o tal o cual gestión —con la excepción de la de Nixon—, ni siquiera de la discutida figura pública de su sujeto, aprovechando no obstante la oportunidad para plasmar su visión personal de lo que significa la democracia, en boca de la voz en off de su mismo protagonista, con una línea que cierra una de las escenas más logradas hacia el final de este largometraje excepcional.

Por supuesto y como ya se ha dicho muchas veces es otro título en el que puede apreciarse ese sobrio clasicismo de Clint. La cámara trabaja para que no se note, y realmente lo logra. El relato abarca prácticamente medio siglo y en ningún momento se pierde o se diluye, aunque hay que hacer notar aquí que las diversas subtramas, como el secuestro del bebé de Lindbergh, el premio Nobel de Marthin Luther King, la lucha sindical de principios del siglo XX, la captura de Dillinger, los roces con el senado o el magnicidio de Kennedy están siempre supeditados al protagónico, a su presencia vital excluyente, como si siguiéramos su cadena de pensamientos y recuerdos a medida que dicta su autobiografía. Por eso, todo esto pasa como si fueran incidencias, formando, sin embargo, con la llegada de los créditos finales, un grupo de motivos coherentes.

En donde es imposible no notar la elaboración narrativa es en el punto de vista. Hacia el final hay una disonancia notable y es cuando el relato traspasa la muerte de Edgar, quien narra todo el resto a través de la voz en off, quedando entonces el epílogo a cargo del narrador omnisciente. Incluso, para aclarar ciertas cosas, aparecen leyendas con precisiones sobre lo que sucede después de su fallecimiento.

Dirigiendo a DiCaprio

Sin embargo, este “intruso” ya había estado inmiscuyéndose en secuencias completas anteriormente, sobretodo a través de los parlamentos del agente Tolson (muy notable, sutil Armie Hammer). Aquí entonces las imágenes siguen el hilo de las palabras, pero dichas por otra persona. La progresión dramática va cobrando sentido. E incluso con anterioridad, la cámara se había infiltrado en su ámbito íntimo sin permiso, registrando asuntos que jamás hubiera volcado en una autobiografía. Por supuesto, se trata de una hipótesis. Eastwood construye aquí una tesis cuya paradoja es: el censor de toda la vida privada de una nación, incluyendo la de sus presidentes, Hoover, tiene un amor que no osa decir su nombre.

Sobresalen la fotografía de Tom Stern, que utiliza una paleta de colores mezclando escala de grises con opacidades de tonos más bien oscuros, además de contraluces; todas las actuaciones, y el libreto de Dustin Lance Black (Milk). Más allá de que se trata de una figura bastante extraña para nosotros, los latinoamericanos, es seguro que J. Edgar es un film que amerita ser visto otra vez.

Trailer

Eastwood, DiCaprio, Watts y Hammer hablan de J. Edgar. Más la entrevista al director en el programa Inside the Actor’s Studio (5 de Octubre del 2003), en 10 partes y con subtítulos.

Los descendientes de Alexander Payne • La dama de hierro de Phyllida Lloyd • Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe (animación) de Walter Tournier • Que lo pague la noche de Néstor Mazzini • Moacir (documental) de Tomás Lipgot • Viaje 2: La isla misteriosa de Brad Peyton • Chacu (documental) de Felipe Pigna

Ju-on

Recordarán a Takashi Schimizu por Ju-on (El Grito, 2003), que tuvo su primera versión en video en el año 2000. Tras lo cual vinieron innumerables secuelas y remakes dirigidas por el propio Shimizu, con un recorrido sinuoso.

La primera curiosidad es que sus primeras incursiones en esta saga son en realidad dos cortometrajes de una antología de terror (Gakkô no kaidan G, 1998, que podría traducirse a partir del inglés como “historia de fantasmas en la escuela”), Katasumi y 4444444444, realizados a instancias de Kiyoshi Kurosawa (Kairo, 2001). Cada uno duraba apenas 3 minutos en un contexto de un largo para TV de 70. Luego extendió estas ideas en otros dos videofilms de bajo presupuesto (no “directo a video” sino pensadas directamente para este formato), Ju-on y Ju-on 2, en el 2000. Con respecto a esta secuela, Cinefanía.com nos da más precisiones: “Es un obvio refritado de la primer JU-ON (2000) y presenta la friolera de 30 minutos de metraje de la nombrada cinta; es decir que en JU-ON 2 solo hay unos 40 minutos de escenas nuevas.”

La IMDB además no lista este último título como publicado en formato “video”, ya que apunta: “La insistente afirmación de que esta película fue “directo a video” es falsa. Su première mundial fue en el cine Higashi-Nakano de Tokyo el sábado 25 de marzo del 2000; se proyectó allí durante siete noches consecutivas. “ De todas maneras, en el detalle del soporte del film, aclara efectivamente que se trata de VHS.

A partir de allí salió a realizar dos nuevas versiones cinematográficas en el 2003 con la misma premisa, Ju-on: The Grudge y Ju-on: The Grudge 2, tras lo cual fue convocado a Hollywood por Sam Raimi para realizar sus correspondientes remakes, aunque en realidad se trata de películas muy diferentes: The Grudge (2004) y The Grudge 2 (2006). Esta franquicia tuvo ya una tercera parte en Estados Unidos que él no dirigió (y que fue un notable fracaso), The Grudge 3 de Toby Wilkins.

Asimismo, Japón siguió con la juonmanía (que ya era muy irregular en términos de calidad) con otras incursiones también sin su creador como Ju-on: Kuroi shôjo (2009)  Ju-on: Shiroi rôjo (2009).

¿Les parece poco? Entonces también tienen una novela (2003), dos adaptaciones al manga que llegaron a Occidente vía la editorial Dark Horse, y hasta un videojuego para la Wii: Ju-on: The Grudge Haunted House Simulator.

Shimizu, que como Nakata salta el océano para alternar trabajos entre Estados Unidos y su isla repetidamente (como si fuesen una especie de realizadores freelance, dirigiendo películas para productores en Hollywood sin afincarse allá y sin quedar bajo contrato con las majors) está terminando, en estos meses, otro título con actores estadounidenses.  En fase de post-producción,  y rodado en inglés (aunque tal vez también en japonés), se trata de una coproducción entre su país y EUA. El título es 7500 y actúan Jamie Chung, Amy Smart,  Leslie Bibb, Eyan Kwanten y Nicky Whelan.

La sinopsis oficial publicada hasta ahora por la productora, CBS Films, es simplemente: “Los pasajeros a bordo de un vuelo sobre el Océano Pacífico se encuentran con una fuerza sobrenatural.”

Aquí el trailer subtitulado por fantá.polis:

Póster británico del film original, "The Girl with the Dragon Tattoo", en Argentina: "Los hombres que no amaban a las mujeres"

Hay a priori una cuestión insoslayable en lo que respecta al tipo de remakes como La chica del dragón tatuado: se trata de una cuestión del mercado audiovisual determinado por el público estadounidense que prefiere ver cine en su propio idioma y sobretodo con sus propias estrellas. La penetración del cine extranjero que viene de overseas en su país es menor; cuando surge un éxito editorial tan grande como la trilogía de Millennium, que en Suecia ya tuvo sus correspondientes películas, reeditadas hasta en una miniserie de 6 capítulos (2010) con una hora y media más de duración, las reversiones por parte de los majors son casi inevitables.

Todo se traslada a la versión autóctona (parafraseando a Rebobinados, sería una “suecada” a la inversa): los films asiáticos, los latinoamericanos con paso relevante por festivales o una taquilla extraordinaria, etcétera. A veces la remake es buena porque se desliga de las convencionalidades del mercadeo hollywoodense (como en el caso Let the right one in/Let me in) y las más de las veces no.

La chica del dragón tatuado ha logrado un equilibrio. Siendo bastante fiel al film original nórdico del 2009, Los hombres que no amaban a las mujeres (a veces hasta algunos diálogos son iguales), de Niels Arden Oplev, no omitió sus costados más oscuros, aunque también los matizó con una serie de cambios en el protagónico femenino: menos independencia y más interés romántico; sobretodo, más locura (en una de las escenas más fuertes, hasta en la relación con su correspondiente anterior, Lisbeth dice “yo estoy loca”).

Su mayor mérito está en los rubros técnicos (no por eso menores; el cine es siempre primero la imagen y el sonido) puestos a tocar el violín gracias al oficio de David Fincher, en su preciso montaje y en la utilización de la música ingeniosamente integrada a todas las secuencias de suspenso; en suma, en la relojería audiovisual de la que es capaz este director y a la que nos tiene acostumbrados con títulos como Zodíaco, Se7en (palabras mayores, lo más destacado de su obra) y hasta esa atípica secuela que es Alien 3.

Se nota cierto maniqueísmo sobretodo en la polémica cuestión del punto de vista feminista tomado con respecto al personaje principal, que está indudablemente a cargo de Rooney Mara. La mayoría de los hombres en esa familia de prominentes industriales que el periodista Blomkvist debe investigar son perversos, peligrosos, malignos del todo. Y esta perspectiva de la hacker contrasta con la sensualidad de Mara mostrada en todo momento en la pantalla, aspecto que indudablemente ha sido el pilar de la campaña publicitaria. No resta ningún mérito a su trabajo, pero sí a la coherencia total de la película.

En la original, si bien ella era no menos bella, asimismo era más fría en el sentido de que (y aquí no se puede revelar mucho más sin arruinar el argumento) actuaba menos en virtud de su compañero idealista. Recordar una línea de diálogo no puede descubrir los recovecos de la trama: “¿Lo puedo matar?”, le pregunta Lisbeth a Mikael. Esas palabras llevan implícito dos cosas: el investigador termina por convertirse en una especie de figura paterna (lo que en sí mismo, sin tener en cuenta ningún referente, estaría más que justificado, sobretodo sabiendo lo que vendrá en las secuelas) y Lisbeth es mucho más inestable mentalmente que su modelo sueco.

Versión USA: Rooney Mara

Tal vez las comparaciones resulten repetitivas, u odiosas. Es cierto, tanto como que en una remake o incluso en las entregas de una misma saga el visionado se va a remitir inevitablemente al material original, como cuando leemos un libro y luego apreciamos su traslado a la pantalla. La trilogía sueca se ponía aún mejor a partir de la segunda parte; acaso pase lo mismo con la versión de Fincher.

Las aventuras de Tintin

…Tintin es notable de principio a fin, incluyendo la secuencia de los títulos iniciales, en los que puede verse una transposición literal de la historieta clásica a la pantalla. Aunque es cierto que un largometraje no se podría sostener en toda su longitud de esa manera, los códigos más visibles del cómic se reúnen todos allí, además de reproducir el particular estilo de Hergé que los especialistas llaman “línea clara”. Más un interesante juego de sombras reminiscente de la vieja animación de siluetas. Y un guiño a Atrápame si puedes.

Con la literatura popular sin pretensiones grandilocuentes Spielberg está en su medio, allí es donde encuentra su autenticidad. Que no se tome como un menosprecio; más bien todo lo contrario. Es cuando no intenta emular a una de sus más grandes influencias, David Lean (Lawrence de Arabia le convenció de que quería ser cineasta) que Spielberg halla su voz. En todo caso, cuando no intenta una sujeción en términos de género: según él mismo, Tintin incorpora mucho de su estilo visual (parte del film transcurre en Marruecos), y hasta incluso del noir, pero sin desviarse en ningún momento de la estructura narrativa de Hergé: esa cadena interminable de gags aventurosos en tono de comedia, que conforman una especie de “bajo continuo” del relato.

Esta reseña no pretende excavar en las complejidades técnicas y teóricas de la naturaleza misma del medio al que pertenece Tintin, pero tampoco hay que ahogarse en un vaso de agua: Spielberg vio en el poco elogiado motion-capture la potencialidad de trascender al rotoscopio, que nunca tuvo demasiados problemas para ser considerado animación propiamente dicha, a pesar de que, de hecho, es una técnica similar: requiere de actores o al menos, de modelos reales. (Según la Wikipedia, fue inventado por Max Fleischer alrededor de 1915, y fue usado en tiras clásicas como Betty Boop para ciertas rutinas de danza o para el superhéroe y otros personajes en los clásicos cortos de Superman). En este último, sin embargo, por lo menos en lo que respecta a largometrajes, el rostro del actor es de ordinario la base para dar vida a la ilustración en movimiento, y por eso Robert Downing Jr. en el film Una mirada a la oscuridad (The Scanner Darkly, Richard Linklater, 2006) se parece a, bueno, Robert Downing Jr.

Beowulf (2007), uno de los films pioneros de Zemeckis hechos con mo-cap y un título bastante subvalorado, con una actualización muy interesante de la leyenda del primer poema épico europeo por parte de Neil Gaiman y Roger Avary, suscitó muchas críticas en su tiempo,  sobretodo en lo que respecta a su técnica. ¿Si la animación permite despegarse de la realidad, para qué replicarla por medio de ella? La versión 3D de Anthony Hopkins se parece fotográficamente a Hopkins, y así.

Spielberg se preguntó la utilidad de esa similitud: después de todo, en la era digital, se puede prescindir de los modelos y transformar a piacere cualquier fragmento de metraje fácilmente. Como el rotoscopio, el mo-cap se ideó con el objetivo de dar mayor realismo al sujeto animado. Todo pasa por humanizar los movimientos. Aún así, en el modelado 3D se puede transponer la abstracción propia de un personaje de cómic. (Tal vez exista un término más preciso o adecuado que “abstracción”; Scott McCloud, en su historieta teórica Understanding Comics: The Invisible Art, define a su vocabulario visual como “ícono” con un determinado grado de ella). Entonces, se puede tener todo el trabajo físico de un Andy Serkis y la cara del personaje de Haddock tal como la concibiera Hergé, al mismo tiempo.

Las aventuras de Tintin

Spielberg, como cinéfilo, sabe mucho de animación, y a pesar de que éste es un proyecto largamente pensado (la compra de los derechos de la obra de Hergé se remonta a 1983, después de la reciente muerte del autor), su primer paso en este sentido es muy logrado. Logra concertar un guión más propiamente cinematográfico al adaptar el estilo narrativo ligeramente disperso de las historietas, siempre estructurado por medio de gags secuenciales, dentro de un argumento más coherente por medio de la fusión de tres comic books: El secreto del Unicornio, El Tesoro de Rackham El Rojo y El Cangrejo de las Pinzas de Oro, sin alejarse del espíritu de la tira.

El humor funciona, con chistes de los más obvios a los más sutiles (como cuando la señora bonachona que hospeda a Tintin le contesta con una indiferencia sorprendente, ante su exclamación “¡Acribillaron a un hombre en la puerta!”: “¿Otro más?” ). Y las escenas de acción son deslumbrantes, en particular el bellamente concebido flashback hacia un pasado de luchas de piratas, o la persecución automovilística entre un jeep, un sidecar y un pájaro.

La Academia deja afuera a Tintin en la categoría de animación para la entrega de los Oscars del 2012. Si ha sido por una cuestión de reglamento (“un número significativo de los personajes principales deben ser animados, y la animación debe constituir nada menos que un 75% del total de la duración de la película”… “El movimiento y la performance de los personajes debe ser creado utilizando una técnica basada en el cuadro por cuadro”… “el motion capture en sí mismo no es una técnica de animación”), parece realmente una tontería.

Las aventuras de Tintin

Y si bien pudo haber sucedido por los resultados de la votación en vez de una cuestión de calificación, es evidente que en virtud del texto del estatuto es más probable lo último. Está bien: Tintin es la primera que cambia los tantos que se venían manejando hasta ahora; pero la decisión de no nominarla se debe a la aplicación de un criterio casi escolástico.

J. Edgar de Clint Eastwood • Peter Capusotto y sus 3 dimensiones de Pedro Saborido • Al borde del Abismo de Asger Leth • Inmortales de Tarsem Singh • El Amor de Tony de Alix Delaporte • Don’t think : The chemical brothers (recital) de Adam Smith

Hugo

Al gran Marty acompañan en su categoría los colegas Michel Hazanivicus (The Artist),  Alexander Payne (The Descendants), Woody Allen (Midnight in Paris) y Terrence Malick (The Tree of Life). Estas películas son entonces las que más chances tendrían si se atiende a su repetición en otros rubros, ya que todas ellas están en la lista de mejores largometrajes del año (incluyendo a Hugo), seguidas de Caballo de Guerra (War Horse de Spielberg), Moneyball de Bennett Miller, Historias cruzadas (The Help de Tate Taylor) y la sorpresa: Tan fuerte y tan cerca (Extremely Loud & Incredibly Close) de Stephen Daldry.

Los cuatro primeros films de la lista anterior y los que están en las categorías más importantes tienen ecos en otras que, aunque no menos claves en lo que respecta al cine, al público le interesan menos: el mismo Allen por guión original (“original” significa aquí un texto escrito directamente para la pantalla), Hazanivicius por The Artist y Asghar Farhadi, en esta misma categoría. Este último es el director de Una Separación, título iraní favorito para quedarse con el premio a mejor largometraje foráneo. Los otros escritores que completan esta lista son Kristen Wiig y Annie Mumulo por Damas en guerra (Bridesmaids) y  J.C. Chandor por Margin Call, que se proyecta mañana, 25.1, en el Sundance Film Festival que se está realizando en estos momentos.

Para el mejor libreto adaptado (de cualquier otra fuente, incluyendo otros libretos) quedaron Payne, Nat Faxon y Jim Rash por The Descendants, John Logan por Hugo, Clooney, Beau Willimon y Grant Heslov por Secretos de Estado, Steven Zaillian, Aaron Sorkin y Stan Chervin por Moneyball y Bridget O’Connor y Peter Straughan por El Topo (Tinker Tailor Soldier Spy de Tomas Alfredson, basado en una miniserie homónima de 1979).

The Artist

De mejor película en idioma extranjero quedan afuera Superclásico de Ole Christian Madsen (Dinamarca), Pina de Wim Wenders (Alemania), Omar Killed Me de Roschdy Zem (Marruecos) y Warriors of the Rainbow: Seediq Bale de Wei Te-sheng (Taiwan). Y entran Bullhead de M.R.Roskam (Bélgica), Footnote de J. Cedar (Israel), In Darkness de A. Holland (Polonia), Monsier Lazhar de P. Falardeau (Canadá) y La Separación de A. Farhadi (Irán), que es la favorita.

En lo que es el rubro animado, se quedaron sin mención Alvin y las ardillas 3, Arrugas de Ignacio Ferreras (España), Operación Regalo, Las Aventuras de Tintin, Cars 2, Gnomeo y Julieta, Happy Feet 2, Marte necesita mamás, Los Pitufos, Rio, y Caperucita Roja 2. De éstos, los pesos pesados con posibilidades eran Rio (Fox), Cars 2 (Pixar, con críticas bastante modestas), Gnomeo & Julieta, Marte Necesita Mamás y Winnie the Pooh (todas de Disney), así como Las Aventuras de Tintin (Paramount) y Happy Feet 2 (Warner).

Este año se presentaba interesante porque la Academia no considera como propiamente animaciones a las técnicas híbridas como el mo-cap (motion capture). Si bien el reglamento no menciona directamente a, por ejemplo, el rotoscopio, queda claro que define al medio como una manera de construir el “cuadro por cuadro”. Evidentemente aquí el dibujo puro, el stop-motion puro y el 3D/CGI puro constituyen las maneras aceptadas. Éstas específicamente indican que el motion capture “en sí mismo no es una técnica de animación”, y que “un número significativo de los personajes principales deben ser animados, y la animación debe constituir nada menos que un 75% del total de la duración de la película”.

Todo se resume en este punto: “El movimiento y la performance de los personajes debe ser creado utilizando una técnica basada en el cuadro por cuadro.” A pesar de todos los premios de la etapa previa que se llevó Las Aventuras de Tintin (incluyendo mejor film animado en los Globos de Oro), a Spielberg evidentemente no le sirvió salir a definir su película como “85% animación y 15% acción real”. Su otra película, con críticas modestas, Caballo de Guerra, sí fue tenida en cuenta con 6 nominaciones (mejor film, fotografía, diseño de producción, música, edición de sonido y mezcla de sonido).

Las que quedaron finalmente entonces para mejor película animada son A Cat in Paris de Jean-Loup Felicioli y Alain Gagnol [Francia | Holanda| Suiza | Bélgica], Chico & Rita de Tono Errando, Javier Mariscal y Fernando Trueba [España | Inglaterra], Kung Fu Panda 2, Gato con Botas, y Rango (la favorita, y realmente muy buen revival del spaguetti western con pasos de comedia de Gore “pirata cairbeño” Verbinski).

Trailer de Tatsumi, animación de Singapur no pre-seleccionada

Las películas que fueron consideradas para mejor actor o mejor actriz protagónicos y que también compiten como mejor película son Historias cruzadas (Viola Davis), The Descendants (Clooney), Moneyball (Brad Pitt) y The Artist (Jean Dujardin). Esta última tiene una doble nominación por actriz secundaria con Berenice Bejo y Octavia Spencer. Le sigue Historias cruzadas con Jessica Chastain, Janet McTeer por Albert Nobbs y Melissa McCarthy por Damas en guerra. Para protagónicos femeninos también están Glenn Close (Albert Nobbs), Rooney Mara (La Chica del Dragón Tatuado), Meryl Streep (La Dama de Hierro)  y Michelle Williams (My Week With Marilyn).

En lo que respecta a hombres en papeles de soporte el único film que figura y que va también por el premio mayor es Moneyball (Jonah Hill). Completan Kenneth Branagh por My Week With Marilyn, Christopher Plummer por Beginners, Nick Nolte por Warrior y Max von Sydow por Tan fuerte y tan cerca (estas dos últimas, sorpresas). Para el protagónico masculino la categoría se completó con Demian Bichir por A Better Life y Gary Oldman por El Topo.

Lista completa de todas las categorías en inglés en Oscar.com

The Flowers of War de Zhang Yimou, la producción más cara de la historia china, tampoco entró

Su título del 2005, Be With me, también fue el elegido para representar a ese país, pero la Academia no lo admitió. Está editado en DVD y se estrenó en Argentina. Otra de sus obras, My Magic, compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cannes del año 2008.

Tatsumi (2011)

Tatsumi, según la sinopsis y las fichas, está basada en la vida y obra de Yoshihiro Tatsumi, un historietista pionero de la vertiente independiente del manga conocida como “gekiga”, lo que aquí llamaríamos historieta con una temática adulta, o al menos no pensada explícitamente para un público solamente juvenil.

Pero mejor dejar eso a los expertos; lo que nos interesa por ahora es el trailer, que ofrece una lista de las historias gráficas cortas que Khoo ha llevado al cine, dando un muestrario muy interesante de lo que podríamos apreciar en una sala.

Trailer subtitulado por fantápolis

The Thing (2011)

La secuencia de apertura de La Cosa (The Thing, Matthijs van Heijningen, 2011) deja en claro que se trata de una precuela al film homónimo de John Carpenter del año 1982, a su vez una remake de un título de la serie B norteamericana: The Thing from Another World (1951).

Mientras los residentes de una base de la Antártida conducen un carro a través del desierto blanco, el hielo se resquebraja dejando al descubierto una enorme estructura subterránea de apariencia no humana. En seguida, una misión encubierta comandada por científicos es enviada al lugar. De ésta los dos miembros más importantes son el doctor Sander Halvorson (Ulrich Thomsen) y una especialista recién graduada, Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead).

En esa especie de nave sumergida en las nieves eternas del continente más inhóspito de la Tierra, que algunos estiman enterrada allí por miles de años, pronto se descubre un organismo alienígena inmovilizado dentro del hielo. Es llevado a la base para su posterior estudio, pero éste revive antes de lo esperado, rompiendo su prisión y atacando a uno de los científicos.

La criatura es asesinada por medio de un lanzallamas, pero al disponer sus restos en una mesa de operación, Kate pronto se da cuenta de que el cadáver dentro de las entrañas había empezado a ser asimilado. En otras palabras: el extraterrestre es capaz de “copiar” genéticamente a cualquier otro organismo, aunque su operación tiene limitaciones.

Más tarde, Kate es capaz de dilucidar éstas mediante un misterio que se le presenta durante la autopsia, claves para resolver varias de las escenas subsiguientes en que los seres humanos no pueden establecer quién de ellos es una copia. (Espero no haber revelado demasiado, pero supongo que la versión de Carpenter es un clásico ya visto y celebrado a esta altura; si no lo has visto es muy recomendable hacerlo antes de ver esta versión).

Porque el problema con esta actualización es que, transcurrido ya el primer acto, varias situaciones referencian plano por plano secuencias icónicas de la original. Por tanto, La Cosa termina convirtiéndose en una remake. Y el problema es que no pueden coexistir ambas.

Pese al respeto del director por el film de Carpenter, con una atención milimétrica al detalle y a la coherencia lógica con respecto al más mínimo elemento de su obra referente, queda claro que hacia el final piensa en producir continuaciones y, como es lógico, a ésta debería seguir entonces una remake: lo que para este caso sería literalmente una remake de una remake.

Hay algunas cosas para rescatar de The Thing 2011, sin embargo: el concepto de los efectos visuales, sobretodo cuando la criatura amorfa en cuestión aparece, la ejecución de un monstruo bifronte o la actualización de varias de las escenas originales (la cabeza saliendo de un cuerpo como sostenida por un brazo, por ejemplo).

A pesar de que el film es pasable y bastante entretenido, hay una sensación de que no hay (ni había en primer lugar) mucho más que decir sobre las adaptaciones previas de Who Goes There? (1938), el excelente relato largo del controvertido editor, buen escritor, John Campbell Jr.

Trailer del film de 1982

Trailer del film del 2011 subtitulado por cinescondite

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